Introdução
A história do cinema de Babelsberg à Hollywood é ao mesmo tempo história cinematográfica, pois pelo menos nos primeiros 50 anos um não existia sem o outro. Havia muitos aspectos técnicos, artísticos e comerciais envolvidos em seu desenvolvimento, que se influenciaram mutuamente. É por isso que eu não acho que os tópicos devam ser considerados separadamente; caso contrário, as conexões se perdem.
O filme moderno hoje em dia é em sua maioria equiparado a produções de Hollywood ou pelo menos dos EUA. Mas nem sempre foi esse o caso. Como e por onde tudo isso começou? Acontece que os filmes alemães e especialmente os franceses, juntamente com os filmes ingleses, tiveram uma influência decisiva no cinema desde o início.
Nos 125 anos, o aspecto comercial esteve sempre em primeiro plano.
Mas o conteúdo do filme apelou para as massas desde o início. Aqueles que não tinham dinheiro para ir ao teatro, ou não tinham as roupas de noite necessárias para serem admitidos, ou aqueles que não recebiam adrenalina suficiente do teatro.
História do cinema de Babelsberg a partir de 1890 para Hollywood
Técnico
O primeiro projetor de filmes foi apresentado em Paris em 1895 pelos irmãos Lumière no Grand Café na Rue des Capucines. Chamava-se Cinématographe. Isto foi precedido por uma experiência na Alemanha por Max Skladanowsky com o projetor duplo elétrico “Bioskop”, que apresentou uma espécie de apresentação de slides fluida no Berlin Wintergarten, uma etapa de variedades existente desde 1888.
Como o método de Lumière era mais simples, melhor e menor, ele finalmente se estabeleceu como o método pelo qual todos os projetores de filme foram construídos. Foi somente com a Lumière que foi criada a infra-estrutura necessária para capturar imagens em movimento, como foi então chamado o filme, e depois reproduzi-las através do projetor.
A questão de quem inventou o cinema e o filme não pode ser respondida claramente. Oficialmente a Lumière é chamada aqui porque eles inventaram o projetor de filme.
Mas, nos EUA, Edison estava trabalhando. Se o cinema não foi inventado nos EUA, certamente foi o filme de 35 mm nos cinco anos anteriores. Essa foi uma patente da Edison. Ele deu o primeiro passo. A Lumière melhorou a idéia e a tornou adequada para a produção em massa, completa com câmera.
Antes de 1895, Edison não acreditava no método de projeção como um método de reprodução, mas dependia de um tipo diferente de reprodução. Este foi o chamado Kinetoscope, um dispositivo com um furo (uma espécie de precursor dos óculos de vídeo) no qual o filme podia ser visto por apenas uma pessoa de cada vez.
A Lumière realizou uma intensa comercialização após 1895. Eles viajaram ao redor do mundo, tirando muitas fotos e vendendo seu dispositivo – uma câmera e um projetor em um só. Foi assim que Edison ouviu falar novamente sobre isso. E como agora muitos proprietários de estandes em todo o mundo poderiam de repente ganhar muito dinheiro com a nova tecnologia como atração, ficou claro para Edison que ele também precisava de tal invenção, e rapidamente. É por isso que sua corporação comprou uma imitação da Lumière da Inglaterra na época, introduzindo assim o método de projeção nos EUA. Não se deve esquecer que as empresas da Edison já estavam produzindo seus próprios filmes a fim de fornecer aos clientes de seu Kinetoscope novos materiais.
Comercial
Pode não ser fácil de digerir, mas o cinema é o herdeiro das antigas cabines de espetáculos e panópticos como existiam nas feiras, e do Vaudeville-Theater, mágicos e circos. Todos eles visavam um público de massa, o que era oferecido ou atrações extraordinárias ou diversões acessíveis.
No início, o próprio filme era uma atração técnica. Eles até anunciaram com a marca do projetor. Mas agora os donos de estandes da exposição podiam fazer filmes eles mesmos e assim o filme se tornou uma atração principal contínua porque novos conteúdos estavam sendo constantemente filmados. A atração agora tinha que ir para o filme.
O filme tornou-se assim um meio – um ímã – para atrações. Isto se reflete não apenas nos objetivos de produzir um filme, mas também nas expectativas do público. Ele corre como um fio vermelho através da história do filme e ainda hoje é perceptível.
Os irmãos Lumière rapidamente reconheceram isto corretamente. Com o curta (cerca de 1 minuto) sobre a entrada da ferrovia em uma estação ferroviária, que por causa da perspectiva parece que a locomotiva está entrando no salão, eles entraram em pânico em todo o salão naquele momento, o que causou uma tempestade do lado de fora. Foi realista e emocionante. Na verdade, eles fizeram os primeiros filmes documentários como este.
Onde nenhuma adrenalina flui e o que não é uma atração, ou pelo menos faz você se perguntar, isso não é adequado como um longa-metragem. Também explica porque os filmes de Hollywood que são apimentados com efeitos especiais e cativam o público com mundos e eventos impossíveis são tão populares hoje em dia.
Artisticamente
Os filmes eram todos muito curtos na época, com apenas um minuto de duração. Coisas como viagens em alto mar, a entrada de uma locomotiva em uma estação, piadas e corridas de cavalos agrícolas foram registradas. Os tiros vieram dos donos dos estandes, não de profissionais especialmente contratados. Wan quis surpreender as pessoas, oferecer um furo, cobrar uma taxa de entrada. Era um negócio – show business.
Nos EUA, entretanto, a empresa de Edison produzia os primeiros filmes já em 1890. Ali as produções eram aparentemente mais profissionais desde o início, embora ainda muito tecnocráticas. Para este fim, a mecânica do filme se transformou em diretores e produtores naquela época.
1900
Técnico
Os filmes, que tinham apenas alguns minutos de duração por volta de 1900, tornaram-se cada vez mais longos no final desta era. Antes de 1910, os filmes eram geralmente de uma bobina (“One-Reeler” ou um ato) com uma duração de até 12 minutos. A partir de cerca de 1910, um filme atingiu uma duração média de 20 minutos – ou seja, duas bobinas. Após a Primeira Guerra Mundial, o longa-metragem se estabeleceu com durações de mais de 60 minutos.
Entre as obras monumentais da era do cinema mudo, cujas exibições às vezes duravam várias horas, estão, por exemplo, Quo Vadis? (1912), Cabiria (1914), Nascimento de uma Nação (1915) por David Griffith.
Até 1927, eram feitos quase exclusivamente filmes mudos que eram acompanhados por orquestras, locutores e gravações em discos.
Comercial
Até o início da Primeira Guerra Mundial, o filme francês e italiano eram líderes mundiais. Somente em Berlim, 206 salas de cinema foram contadas. A partir deste momento, também foi dada maior ênfase ao conforto e luxo. Palácios de cinema espetaculares como o Marmorhaus em Berlim serviram como salas de cinema de estréia. Ali aconteceu a estréia mundial de Robert Wienes “Das Kabinett des Dr. Caligari”, em 1919.
A guerra forçou a indústria cinematográfica européia a uma interrupção devastadora. Também a indústria cinematográfica alemã foi muito enfraquecida pela guerra. Na França, a produção teve mesmo que ser completamente interrompida devido à mobilização geral do país no início da guerra.
Embora a produção de filmes na Europa tenha sido retomada a partir de 1915, ela estava em um nível muito limitado. Até então, os maiores produtores já haviam se retirado do negócio. A indústria italiana se saiu melhor, mas seus filmes “diva” com atrizes de sucesso azaradas não tiveram sucesso econômico.
Os anos durante a Primeira Guerra Mundial foram um período de transição complicado para a indústria cinematográfica. As idéias mudaram de peças curtas de um ato para a exibição de longas-metragens (“longa-metragem”). Os teatros em todos os lugares se tornaram maiores e exigiam preços de admissão mais altos.
Uma exceção foram os Nickelodeons nos EUA – a admissão naquela época era de 5 centavos, o que hoje corresponde a um valor de 1,27 dólares – e os cinemas de varejo na Europa. Estes locais eram muito populares entre a classe trabalhadora da época, que não podia pagar uma apresentação teatral. Até 1910, havia cerca de 9.000 Nickelodeons abertos nos EUA. Na Europa, o número de salas de cinema de varejo era correspondentemente alto.
Naquela época, toda a indústria cinematográfica dos EUA se mudou da costa leste para um subúrbio de Los Angeles. Assim, toda a indústria ficou conhecida como “Hollywood” sob o nome do subúrbio. Razões: clima estável, cenário natural nas proximidades, terreno barato para construir edifícios de estúdio; e principalmente por causa de uma Decisão do Prefeito de Jacksonville (FL). As acrobacias que eram feitas na época eram totalmente loucas. O que estava acontecendo em Jacksonville naquela época se torna bastante claro no The Show (1922).
Com uma média de 800 longas-metragens por ano (que foi cerca de 80% da produção mundial) os EUA atingiram a era de sua maior produção até agora. Hollywood tem mantido mais ou menos esta posição desde então: fábrica de filmes do mundo com exportações para quase todos os países.
Para lhe dar uma idéia de como o negócio era lucrativo naquela época e de onde vinha o poder, um exemplo: a produção do racista e ainda controverso “Nascimento de uma Nação” por Griffith custou cerca de 100.000 dólares em 1915. Essa era uma soma astronômica para um filme na época. De acordo com estimativas, Griffith e seus parceiros comerciais ganharam entre 50 e 100 milhões de dólares. Isso seria o equivalente a entre 1,3 e 2,6 bilhões (!) de dólares hoje.
Os estúdios foram organizados e controlados eficientemente toda a cadeia de valor agregado, o que tornou possível o aumento do luxo e desenvolvimentos técnicos cada vez mais refinados. Infelizmente, isto veio às custas da vontade de correr riscos, o que significava que quase nada de novo era aventurado, mas sim que tudo estava mais concentrado no glamouroso escapismo como tema.
As comédias de Charlie Chaplin e Buster Keaton, as aventuras de Douglas Fairbanks e as histórias de amor de Clara Bow, que, com o sucesso de seus filmes, tornaram-se atores conhecidos em todos os continentes, também caem neste período.
Artística
Até a virada do século, os aspectos técnicos do filme eram o foco das atenções. O filme foi usado para documentação semelhante à câmera ou ao registro. Este valor de novidade estava lentamente se desgastando. Os cineastas começaram gradualmente a experimentar as possibilidades do filme como um novo meio.
Assim, as inovações técnicas permitiram que cineastas como o proprietário do cinema parisiense Georges Méliès experimentassem efeitos especiais para alcançar transformações mágicas na tela: As flores foram dadas às mulheres, as pessoas desapareceram nas nuvens de fumaça, um homem apareceu onde uma mulher estava há pouco, e outros truques.
Méliès, um antigo mágico, inventou o desenho animado que os produtores da Inglaterra e dos EUA imitaram. E foi ele quem transformou o cinema no meio narrativo que conhecemos hoje. Para este fim, Méliès combinou vários “curtas-metragens” para criar histórias. A “Viagem à Lua” (1902), um filme de 30 cenas baseado em um romance de Jules Verne, foi provavelmente a produção mais assistida na primeira década do cinema.
Outro cineasta inovador foi Edwin Porter, um “projecionista” e engenheiro da Edison Company. Com os 12 minutos do “The Great Train Robbery” (1903) Porter quebrou com as composições cênicas em estilo Méliès. Ele usou montagem, movimento de câmera, composições diagonais e projeções de fundo para criar movimento contínuo. Este filme não foi apenas o primeiro sucesso de bilheteria; ele também introduziu uma narrativa realista como padrão.
O que mais era tocado nas salas de cinema naquela época? Eram relatos de eventos atuais da cidade, do país ou de qualquer outra parte do mundo – como grandes eventos sociais, grandes incêndios, desastres naturais. Este item do programa se desenvolveu em todos os lugares e se tornou uma notícia. Outros itens do programa eram principalmente curtas-metragens cômicos ou filmes de animação, cada um com duração entre cinco e 20 minutos, e a partir de 1910 também episódios de séries cinematográficas, como séries de detetives, documentários ou filmes culturais. Nos cinemas, o filme principal era geralmente exibido em último lugar, como o ponto alto da exibição.
A tendência geral na produção de filmes era de expressar o conteúdo narrativo de uma história. Para este fim foram utilizadas as estruturas dramatúrgicas conhecidas do teatro.
Griffith era particularmente bom nisso. Entre os diretores norte-americanos, ele teve a mais alta reputação porque conseguiu transmitir o entusiasmo dramático ao público com seus filmes.
Ele também introduziu várias inovações como o close-up narrativo, o flashback e outros elementos estruturais que ainda existem hoje. Durante este tempo, a montagem contínua – agora um clássico – tornou-se a norma visual do filme americano europeu.
1920-1939
Técnico
Experiências com vários processos de filme sonoro já haviam sido realizadas desde a exposição mundial por volta de 1900, mas foi somente com o processo de som leve (trilha sonora sobre filme) por volta de 1930 que o filme sonoro fez seu avanço. A partir de 1920, a maioria dos discos foram tocados aqui para o filme, como por exemplo pelo Vitaphone a partir de 1925 pela Warner Bros. Foi também o último chamado sistema “sound-on-disc“. O desafio era sincronizar o som com os eventos e diálogos do filme. Porque o filme muitas vezes se rasgou durante a reprodução e teve que ser remendado. Em cada caso, uma imagem (uma “moldura”) era sempre recortada. Com o tempo, o som e o filme, que estava ficando cada vez mais curto, ficaram fora de sincronia, o que então se tornou bastante desagradável durante a exibição.
Um pioneiro aqui foi o engenheiro alemão Hans Vogt que realizou a idéia do filme sonoro junto com dois colegas do Tri-Ergon. A empresa onde ocorreu o desenvolvimento do processo estava localizada na Babelsberger Straße, em Berlim. Em 1922, o primeiro filme sonoro alemão utilizando o método de som óptico foi apresentado ao público no cinema Alhambra em Berlim, diante de 1.000 espectadores. É notável que as críticas da imprensa não foram dirigidas contra o nível técnico dos diálogos, mas contra o seu conteúdo. Com visão, eles perceberam que isto destruiria permanentemente a verdadeira arte do cinema mudo, a pantomima. Em 1927, o sistema foi vendido à Fox Pictures e foi renomeado para “Movietone”. A partir de então, ela encontrou seu caminho para os filmes produzidos por Hollywood.
Também com uma cor já experimentada por volta de 1900. Mas os procedimentos daquela época eram caros e comercialmente inutilizáveis.
Em 1912, Rudolf Fischer desenvolveu o primeiro processo utilizável em três cores para filme colorido. Com sua câmera, ele gravou três separações de cores bastante pequenas e desfocadas através de três discos filtrantes coloridos nas cores básicas em filme preto e branco, que foram projetados através de três filtros igualmente coloridos durante a exibição. Entretanto, apesar de sua bem sucedida apresentação à Sociedade Francesa de Fotografia e apesar dos filmes com som que foram exibidos em Nova York em 1913, seus filmes não se tornaram comercialmente aceitos.
A partir de 1917, a Technicolor introduziu sua versão para um processo de gravação e reprodução mais sofisticado em três cores. As separações de cores foram utilizadas como originais intaglio. Os positivos foram impressos com cores em filme em branco. É por isso que os filmes positivos ainda são chamados de prints na língua americana. Isto abriu caminho para a construção de uma nova câmera Technicolor que registrou simultaneamente três separações de cores em azul, verde e vermelho. O avanço do filme colorido veio em 1937 com o filme animado da Disney “Branca de Neve e os Sete Anões”.
A Technicolor continuou refinando o processo, que culminou em 1955 com o que ficou conhecido como “Processo Technicolor Nº 5”, até a introdução da tecnologia digital. A Agfacolor foi então apanhada em 1939 e introduziu seu primeiro processo. Era um processo de três cores que exigia apenas um único negativo e, portanto, era mais simples do que o processo Technicolor. No entanto, as cores eram mais fracas e sujeitas a maiores flutuações. Os filmes coloridos subseqüentes da UFA na Alemanha, por exemplo, todos usaram o processo Agfacolor até 1950.
Comercial
Enquanto a Europa ainda era líder antes da Primeira Guerra Mundial, a maré mudou durante a guerra. Enquanto as produções na Europa chegaram a um impasse por causa da guerra, a produção cinematográfica norte-americana alcançou tanto que, após a guerra, mais de 90% de todos os filmes exibidos na Europa, América do Sul, África e Ásia vieram dos EUA.
No último ano da guerra, todas as empresas de produção na Alemanha foram unidas por decreto em um conglomerado subsidiado pelo Estado, que passou a se chamar Universum Film Aktiengesellschaft (UFA). Isto foi tão eficaz que na década de 20 cresceu até o maior estúdio da Europa e produziu a maioria dos filmes que pertencem à era dourada do cinema alemão durante a República de Weimar (1919-1933).
A restrição das exportações da Alemanha como parte dos pagamentos de reparações por volta de 1924 mergulhou a indústria cinematográfica em crise devido à falta de renda das exportações. Ao mesmo tempo, o filme sonoro que estava se estabelecendo agora significava uma restrição maciça do mercado de vendas para as produções alemãs, que agora tinha que ser limitada aos países de língua alemã.
Os estúdios de Hollywood compraram cinemas independentes na Alemanha durante este período a fim de restringir ainda mais a UFA, a única competição séria na Europa. Tornou-se insolvente em 1925 e foi salvo por um empréstimo da (a última) Paramount e Metro-Goldwyn-Meyer com acesso aos seus estúdios, cinemas e pessoal criativo. Imediatamente depois, numerosos atores, diretores e talentos técnicos da UFA emigraram para Hollywood. Lubitsch, Freund e Murnau permaneceram todos nos EUA em contratos de longo prazo. Mas muitos voltaram à UFA, enojados com a produção industrial em massa de filmes em Hollywood – apenas para emigrar para os EUA de vez durante o regime nazista.
Mais uma vez a UFA entrou em colapso financeiro em 1927. Desta vez, todas as ações foram compradas por financiadores politicamente motivados pela direita, antes de tudo Alfred Hugenberg, até que foi incorporado à máquina de propaganda de Göbbel em 1933.
Durante o regime nazista, a indústria cinematográfica na Alemanha mudou: mais de 1500 cineastas emigraram – incluindo Marlene Dietrich, Peter Lorre, Max Ophüls, Elisabeth Bergner, Friedrich Hollaender, Erich Pommer e Detlef Sierck – entre eles muitos artistas cinematográficos de origem judaica.
Nos EUA, a produção, distribuição e exibição de filmes tornou-se um negócio principal nacional – e talvez até mesmo a paixão geral de qualquer forma. As taxas das estrelas atingiram dimensões monumentais. A produção de filmes foi padronizada, mesmo industrializada, como um chamado sistema de estúdio. Wall Street investiu fortemente em todas as empresas do setor. Todos os gêneros em uso hoje foram introduzidos na década de 1920.
O estilo de vida lascivo das estrelas causou inúmeros grandes escândalos que resultaram na tentativa do governo de colocar a situação sob controle. Para contrariar isso, Hollywood fundou a Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA – mais tarde se tornando a Motion Picture Association of America), uma associação industrial para auto-censura liderada por um político conservador, Will Hays. É por isso que foi chamado de Escritório dos Fenos. Um dos princípios formulados pela Hays foi a vitória da lei e da moral no cinema sobre o crime e as violações dos valores sociais conservadores. Entretanto, a MPPDA dificilmente foi levada a sério, assim como Proibição. (1920-1933) foi levado a sério. É por isso que de 1927 a 1933 os filmes mais liberais já produzidos em Hollywood até aquela época foram provavelmente os filmes mais liberais de todos os tempos. O ex-diretor da UFA Lubitsch foi particularmente bem-sucedido com suas insinuações sensuais e sexuais (já experimentadas e testadas em filmes de fantasias alemãs). Legiões inteiras de ex-UFA foram acomodadas na Paramount, considerada a mais “européia” e sofisticada dos estúdios.
É difícil acreditar que a mudança de filme mudo para filme sonoro no final dos anos 1920 foi concluída em poucos anos e foi principalmente devido a uma campanha de marketing da Warner Brothers. Na década de 1920, a Paramount, MGM, First National e outros estúdios tinham planos ambiciosos de expansão. Todos eles estavam fazendo grandes compras para cadeias de cinema. A Warner Brothers e a Fox quiseram dominar as cadeias de cinema menores, oferecendo música gravada para acompanhar seus filmes. O sucesso inesperado desta ação forçou toda a indústria a mudar para o cinema sonoro e transformou a Fox e a Warner em grandes estúdios. A Fox comprou a MGM. A Warner comprou a First National. Somente a Paramount era ainda maior. Mas eles compraram metade do novo Sistema de Radiodifusão Columbia (então Rádio) e propuseram uma fusão com a Warner. Em seguida, o Departamento de Justiça dos EUA (o equivalente do atual Escritório Federal de Cartel) interveio, proibiu a fusão e separou a Loew da Fox. Em 1930, 95% de todas as produções americanas já estavam nas mãos de apenas oito estúdios, cinco dos quais completamente integrados verticalmente com um total de 2600 salas de cinema de estréia.
Naquela época, Hollywood estava tão verticalmente integrada que a principal fonte de renda eram as entradas no cinema. Assim, mais de 90% foi investido na expansão das cadeias de cinema (não em filmes!). Hollywood tornou-se assim uma indústria de operadores de cinema com seus próprios estúdios que também podiam produzir filmes por conta própria.
A mudança para o barro envolveu grandes investimentos. Além disso, houve os altos empréstimos que foram contraídos durante a Grande Depressão. Agora os estúdios não podiam mais se dar ao luxo de assumir riscos e, portanto, dificilmente toleravam diretores excêntricos e artisticamente ousados. Talentos famosos do cinema como Griffith, Sennett, Chaplin e Keaton dificilmente poderiam sobreviver como cineastas neste sistema rígido.
Artisticamente
Após legiões de funcionários da UFA, como diretores, cinegrafistas, atores, artistas, técnicos de iluminação e músicos emigraram entre 1925 e 1933 e encontraram alojamento na Paramount em particular, aqui voltamos à década de ouro do cinema alemão.
As primeiras produções da UFA no início dos anos 1920 foram elaborados filmes de fantasias modelados nas superestrelas italianas da era pré-guerra. O mestre deste gênero foi Ernst Lubitsch. Seus filmes deram ao cinema alemão um lugar firme no mercado mundial. “O Gabinete do Dr. Caligari” (1919) foi a primeira obra expressionista que lhe trouxe grande reconhecimento artístico. Foi o impulso para o movimento conhecido como Expressionismo Alemão.
Caligari influenciou enormemente os seguintes filmes da UFA. Descrevia estados mentais perturbados principalmente através da decoração – era preciso economizar eletricidade no período pós-guerra e, portanto, a iluminação era esparsa. Foram principalmente filmes de fantasia e terror que utilizaram enredos terríveis para expressar o tema da alma em busca de si mesma. Os filmes deste movimento foram rodados inteiramente no estúdio e freqüentemente utilizavam conjuntos distorcidos e efeitos de iluminação para criar um humor altamente subjetivo.
Alfred Hitchcock, um assistente de direção desconhecido na época, rodou seu primeiro filme em 1924 no Studio Babelsberg. Anos mais tarde, ele resumiu: “Tudo o que eu precisava saber sobre o cinema, aprendi em Babelsberg”.
O expressionismo trouxe à Alemanha prestígio internacional e criou personalidades de renome mundial como Fritz Lang (Metropolis, 1927) e F. W. Murnau. Após a produção de sua primeira obra-prima de cinema sonoro “M” (1931) Lang emigrou para os EUA.
Murnau rodou vários filmes expressionistas menores. Mas foi “Der letzte Mann” (1924), uma peça íntima, que o tornou mundialmente famoso. Ele usou uma estrutura narrativa complexa através do uso inovador de movimentos de câmera e fotos subjetivas do ponto de vista subjetivo. Por exemplo, ele amarrou uma câmera mais leve em seu peito e depois tropeçou no conjunto de um quarto como se estivesse bêbado, capturando a vista dos olhos do porteiro bêbado. Murnau praticamente inventou guindastes e bonecos. Murnau colocou a câmera em várias posições durante o tiroteio: em bicicletas em movimento, escadas de bombeiros e cordas esticadas para criar um movimento de fluxo.
“O Último Homem” é geralmente considerado como uma obra-prima e provavelmente teve mais influência no estilo dos filmes de Hollywood do que qualquer outro filme estrangeiro. Isto também trouxe a Murnau um contrato de Hollywood de longo prazo que ele assinou em 1927.
A contrapartida do Expressionismo foi a “nova objetividade”. Estes filmes trataram da desilusão, cinismo e resignação das pessoas comuns, cujas vidas foram tão dificultadas pela inflação do pós-guerra.
Um mestre de tais filmes foi G.W. Pabst, cujo trabalho estabeleceu convenções de montagem de continuidade que se tornaram indispensáveis para o cinema sonoro. Pabst criou seqüências complexas e contínuas usando métodos que mais tarde estabeleceram o chamado estilo de montagem “invisível” de Hollywood, como o corte em ação, corte a partir de um tiro em que o olhar de um ator é dirigido para o que o ator vê (tiros motivados no ponto de vista), e corte em um tiro com ângulo de visão invertido (um em que o ângulo da câmera gira 180 graus).
A contribuição da ex-União Soviética para o cinema é muitas vezes subestimada. Lênin foi o primeiro líder político do século XX a reconhecer tanto a importância do cinema como instrumento de propaganda quanto como meio de comunicação: “Para nós, o cinema é a mais importante das artes”. No entanto, havia pouca infra-estrutura sobre a qual construir. A maioria dos produtores pré-revolucionários havia fugido para a Europa, devastando seus estúdios e levando seus equipamentos e filmagens com eles quando saíram. Portanto, não havia outra escolha senão fundar o Vsesoyuznyi Gosudarstvenyi Institut Kinematografii (VGIK), a primeira escola de cinema do mundo.
Lev Kuleshov foi o grande professor de lá. Ele conseguiu uma impressão da Intolerância de Griffith e a tocou para os estudantes em seu “Kuleshov Workshop” até que eles soubessem as fotos de cor e pudessem então reorganizar as complexas seqüências de cortes em um pedaço de papel em centenas de combinações diferentes. Kuleshov e seus alunos tornaram-se especialistas em montagem intelectual. Para eles, a montagem do filme foi o grande elemento estrutural superior com o qual influenciar a direção e o valor da narrativa.
Dois de seus alunos mais brilhantes foram Sergei Eisenstein e Vsevolod Illarionovich Pudovkin. Eisenstein foi um intelectual que formulou uma teoria modernista da montagem e fez muitos filmes que foram bem sucedidos na União Soviética. Como sempre, Bronenossez Potjomkin (Battleship Potemkin, 1925) também era uma propaganda que pretendia evocar uma forte reação emocional na platéia no espírito da ideologia de massa soviética. Na forma e no conteúdo, porém, o filme vai muito além da propaganda e foi premiado várias vezes como um dos filmes mais influentes e melhores de todos os tempos. Em Potemkin ele demonstra um novo método de montagem de filmes. Em sua opinião, a montagem de filmes é o elemento estrutural mais elevado.
Em Hollywood, a autocensura tornou-se um tema novamente no início da década de 30. Desde 1922, a MPPDA tem tentado censurar Hollywood. Mas simplesmente não funcionou. O cinema seguiu sem controle, apesar das muitas convicções.
Como resultado da mudança do filme mudo para o filme sonoro, Hollywood começou a experimentar novas direções experimentais. Alguns filmes ousaram fazê-lo com nudez, e em outros os criminosos foram retratados como heróis. Os selvagens anos 20 trouxeram uma mudança radical em direção à liberalização na forma como a sexualidade era vista na América do Norte. Pela primeira vez na história do país, as mulheres começaram a ser respeitadas como profissionais. As mulheres, por exemplo, não tiveram o direito de voto até 1920. Mas isto não se adequava à Igreja Católica.
De 1929 a 1934 Hollywood produziu um dos filmes mais progressistas do século XX. Fizeram sucessos de bilheteria como: The Divorcee (1930), Frankenstein (1931), The Public Enemy (1931), Red Headed Woman (1932), e Baby Face (1933). Este período – e os filmes feitos durante este período – é amplamente conhecido como Pre-Code Hollywood. Estes filmes tinham as seguintes características: ideais progressistas, emancipação da mulher, gângsteres, questões sociais, monstros e caos, comentários sobre a igreja.
Representantes de alto nível da Igreja Católica nos EUA estavam irritados com a direção em que o cinema estava se desenvolvendo. Eles lutaram por filmes “melhores” e “mais morais”. Em 1933 (estranhamente, ao mesmo tempo em que os nazistas tomaram o poder na Alemanha), os bispos se uniram na Legião da Decência e até obtiveram um mandato do Vaticano. Quando pediram um boicote ao cinema nacional em 1934, era muito arriscado para Hollywood ignorá-lo. Assim, eles concordaram com o Código de Produção, que desta vez foi implementado com sucesso pela MPPDA e foi seguido pelos estúdios até 1968.
1940
Técnico
Até agora, temos meio século de história do cinema atrás de nós. Estes primeiros 50 anos são, em minha opinião, os mais emocionantes. Tecnicamente e artisticamente pouco está acontecendo até 2020 em comparação, além da introdução da televisão (apenas outro tipo de “projetor de filme” individual), som surround, efeitos assistidos por computador e filme e cinema digital.
Comercial
Os anos 40 foram anos recordes em termos de número de visitantes. De 1942 a 1944, os aproximadamente 7000 cinemas na Alemanha, Áustria e territórios ocupados alcançaram uma audiência anual de mais de um bilhão de espectadores. Já a partir de 1933, o filme alemão não podia continuar sua tradição cinematográfica internacional. As principais razões são a introdução do filme sonoro (o alemão não é uma língua mundial com um grande público) e o contínuo êxodo de talentos que continuou após a Segunda Guerra Mundial. Em seguida, a longa história da Segunda Guerra Mundial e a divisão da Alemanha levaram a uma ruptura de muitas tradições cinematográficas. Uma rejeição da identidade regional, nacional ou mesmo européia acompanhou este desenvolvimento. O financiamento cultural apoiado pelo Estado (alemão ocidental) se retirou em grande parte da forma de arte do filme, que havia se tornado o meio principal do século 20. No período que se seguiu, as importações de filmes provenientes dos EUA foram especialmente confiadas.
No início dos anos 40 filme nos EUA era a décima primeira maior indústria. Durante a Segunda Guerra Mundial, quando a economia dos EUA estava em plena expansão, dois terços dos norte-americanos iam ao cinema pelo menos uma vez por semana.
A inflação do pós-guerra, a perda temporária de mercados estrangeiros importantes e o advento da televisão puseram um fim a este rápido crescimento. Isto foi agravado em 1948 pelo processo judicial contra a Paramount, que forçou os estúdios a renunciar ao controle das cadeias de cinema. Este foi um golpe devastador do qual o sistema do estúdio nunca se recuperaria. Os grandes estúdios acabaram sendo assumidos por corporações multinacionais. Os poderosos gerentes de estúdio perderam a influência que tinham mantido durante 30 anos.
Artisticamente
O filme mais extraordinário que surgiu do sistema de estúdio foi o de Orson Welles Citizen Kane (1941), cujo tema controverso e técnica experimental o tornou um clássico. Usando material de filme recentemente desenvolvido e uma lente mais ampla e sensível à luz, ele foi até os limites da montagem, encenação e som e assim redefiniu o meio de filme.
Após a Segunda Guerra Mundial, novos movimentos cinematográficos surgiram em todo o mundo, como a Nova Onda Francesa, o Neorealismo Italiano e o Renascimento Escandinavo. Eles queriam trazer movimento para o cinema, assim como no pré-código Hollywood.
Muitos dos temas e questões deste período foram retomados nos trabalhos de diretores como Jean-Luc Godard e Federico Fellini. Os filmes neorealistas de Roberto Rossellini contrastaram com Hollywood. Ele filmou nas ruas com atores sem formação e em filme granulado em preto-e-branco. Ao fazer isso, ele captou liricamente o desespero e a confusão na Europa após a Segunda Guerra Mundial.
1950
Técnico
Para a indústria cinematográfica, a maior ameaça veio da televisão. Depois que os estúdios perderam o controle dos cinemas na sequência da decisão da Paramount, o número de visitantes que perderam para a televisão também diminuiu. Os estúdios, portanto, tentaram conquistar o público para a televisão, explorando as duas vantagens reais que o filme tinha sobre a televisão: o tamanho da imagem e, em uma época em que todas as transmissões televisivas eram em preto e branco, a capacidade de produzir filmes em cores. A partir de 1952, o som estéreo também foi introduzido.
O monopólio da Technicolor como única produtora de filmes coloridos foi levantado por decreto. Por coincidência, a Kodak introduziu um novo material de filme multicamadas ao mesmo tempo, onde as cores estavam em um único rolo. O processo oferecia excelente resolução de cores a baixo custo, pois podia ser usado com câmeras convencionais. Isto acelerou a mudança para a cor. Em 1954, mais da metade das características americanas eram em cores, e em 1970 o número era de 94 por cento.
Como resultado, muita experimentação foi feita com imagens em widescreen (Cinerama, 1952) e estereoscópicas 3D (Natural Vision, 1952). No final, prevaleceu o CinemaScope do Twentieth Century-Fox, usando lentes anamórficas especiais para capturar imagens de grande ângulo em material cinematográfico existente. O sistema tinha a grande vantagem de não necessitar de câmeras especiais, material de filme ou projetores. Assim, a partir de 1954, um grande número de filmes foi rodado no novo formato widescreen, especialmente filmes com temas visualmente espetaculares de proporções épicas.
Mas apesar das estratégias sofisticadas dos grandes estúdios, o número de visitantes continuou a diminuir nas décadas de 1950 e 1960. Eles também enfrentaram uma séria concorrência de cineastas independentes e estrangeiros. Muitos filmes estavam agora sendo rodados fora dos estúdios em todo o mundo, a fim de economizar nos custos.
O Código de Produção de 1934 perdeu sua legitimidade, pois uma série de decisões da Suprema Corte dos Estados Unidos entre 1952 e 1958 estendeu a proteção da liberdade de expressão aos filmes de longa-metragem. Houve também uma concorrência crescente de filmes estrangeiros. Os estúdios não tinham meios de manter os filmes estrangeiros fora, e os filmes estrangeiros não estavam vinculados à lei de produção. No final dos anos 60, a aplicação havia se tornado impossível e o Código de Produção havia sido completamente abandonado.
A MPAA mudou para um sistema de classificação de filmes em 1968. A classificação G é usada quando o filme é adequado para pessoas de todas as idades. PG-13 inclui cenas que podem não ser adequadas para crianças menores de 13 anos. Um R é sugerido quando crianças entre 13 e 16 anos de idade devem ser acompanhadas por um adulto. Os filmes com classificação X são apenas para espectadores com mais de 17 anos de idade. A classificação X foi renomeada NC-17 em 1990. Entretanto, os distribuidores de filmes pornográficos continuaram a utilizar seus próprios símbolos X, XX e XXX para comercializar seus produtos.
Comercial
O único reinado dos cinemas não durou nem meio século. Somente nos Estados Unidos houve um boom durante este período, favorecido pela crescente motorização nos anos pós-guerra, uma forma especial de cinema ao ar livre: o cinema drive-in. No entanto, a crescente popularidade da televisão levou a uma queda drástica no número de visitantes ao cinema. Muitos cinemas declararam falência ou fecharam.
A indústria cinematográfica na Alemanha continuou a lutar para se recuperar. Além das perdas estruturais dos anos pós-guerra, os objetivos da política cinematográfica das potências ocupantes – para consolidar a irrelevância da indústria cinematográfica alemã – dificultaram qualquer ascensão. Também não tinha mais nada a oferecer de forma criativa.
As inovações vieram mais da França de diretores como Jean-Luc Godard, que em seu À bout de souffle (Sem fôlego, 1959) já introduziu muitos elementos novos da Nouvelle Vague francesa: o uso do salto-corte, a câmera na mão e a direção improvisada e solta. Filmes que foram produzidos por 90.000 dólares em apenas quatro semanas. O Jumpcut foi um ataque à “invisível”, à edição tradicional do filme, e, portanto, à continuidade narrativa do filme. De repente, foram ousadas coisas que estavam fora da norma em Hollywood.
Artística
Os anos 50 eram a “era dourada” do cinema indiano, que produzia 200 filmes por ano. Os filmes independentes indianos receberam reconhecimento através de festivais internacionais de cinema. Um dos filmes mais famosos daquela época foi a trilogia Apu (1955-1959) do diretor Bengali Satyajit Ray. Seus filmes tiveram uma profunda influência no cinema mundial e influenciaram diretores como Akira Kurosawa, Martin Scorsese, James Ivory, François Truffaut, Steven Spielberg e Jean-Luc Godard.
Durante este período, o filme japonês também foi muito ativo e criativo, produzindo filmes de sucesso como Kakushi Toride no San-Akunin (The Hidden Fortress, 1958) de Akira Kurosawa. “The Hidden Fortress” foi também a inspiração para a Guerra das Estrelas de George Lucas (Guerra das Estrelas, 1977). Outros cineastas japoneses famosos deste período incluem Kenji Mizoguchi, Mikio Naruse, Hiroshi Inagaki e Nagisa Oshima. O cinema japonês tornou-se uma das inspirações mais importantes do movimento de Nova Hollywood dos anos 60 aos 80.
1960
Técnico
Em Hollywood, os estúdios continuaram a tentar reconquistar telespectadores da televisão com novas técnicas de desempenho. Entretanto, as estratégias de tela larga dos anos 50 não mostraram o sucesso desejado a longo prazo. Os filmes 3D desencadearam um breve boom e houve mais experiências frenéticas com novas técnicas de tela widescreen.
O “declínio do cinema” continuou. Outros cinemas desistiram até o início dos anos 80. Em seguida, veio mais concorrência de lojas de vídeo, jogos de computador e emissoras privadas.
Comercial
Os filmes de Hollywood ainda eram em grande parte destinados a um público familiar conservador. Os filmes mais antiquados trouxeram o maior sucesso aos estúdios. Filmes como Mary Poppins (1964), My Fair Lady (1964) e The Sound of Music (1965) estiveram entre os grandes sucessos de bilheteria da década.
O sistema de estúdio em Hollywood continuou a perder influência, já que muitos filmes eram agora rodados localmente em outros países ou utilizando instalações de estúdio no exterior, como Pinewood na Grã-Bretanha e Cinecittà em Roma.
Hollywood se encontrava em uma grande crise financeira. Apesar de alguns sucessos, a maioria dos filmes só trouxe prejuízos porque perdeu a oportunidade de se adaptar a um público novo, diversificado e mais jovem. A conseqüência foi uma série de aquisições de todos os estúdios por vários investidores financeiros que nomearam novos gerentes que, após 1965, abriram as portas para os então incomuns diretores de New Hollywood.
Artística
Nos EUA, o interesse pelo cinema em línguas estrangeiras também cresceu durante este período. Os diretores da Nouvelle Vague francesa (New Wave) como François Truffaut e Jean-Luc Godard quebraram as regras da estrutura narrativa de filmes de Hollywood em filmes como Les quatre cents coups, À bout de souffle e Jules et Jim.
A Deutsche Welle pensa que além de Godard, François Truffaut também se tornou a face mais famosa da Nouvelle Vague, cujos filmes eram mais populares do que os de Godard. Filmes como “Jules e Jim” (1961) proclamaram novas formas de amor e insinuaram o que seria alcançar ampla relevância social em 1968: uma abordagem diferente da sexualidade e uma nova imagem da mulher.
Como um dos movimentos cinematográficos mais influentes, a “Nova Onda” francesa mudou para sempre a maneira como os filmes eram feitos e influenciou alguns dos maiores diretores de nosso tempo. Ele produziu um novo tipo de filmes que eram confiantes, autênticos, sinceros e, portanto, revolucionários. E então, em 1968, houve movimentos locais da Nouvelle Vague em todo o mundo.
Enquanto isso, no Reino Unido, o Cinema Livre de Lindsay Anderson, Tony Richardson e outros levaram a uma série de dramas realistas e inovadores, incluindo Saturday Night e Sunday Morning, A Kind of Loving e This Sporting Life. Outros filmes britânicos como Repulsion, Darling, Alfie, Blowup e Georgy Girl (todos de 1965-1966) ajudaram a limitar as proibições de sexo e nudez na tela. Daí a popularidade dos filmes de James Bond, que a partir de 1962 foram lançados com “Dr. No” tornou o sexo e a violência como elementos incidentais aceitáveis em todo o mundo.
Também na Alemanha, houve uma “Neue Welle” nos anos 60. Alguns jovens cineastas escreveram o “Manifesto de Oberhausen” em 1962 e pediram uma saída do poeirento cinema alemão do pós-guerra: “O filme antigo está morto”. Nós acreditamos no novo”. O diretor Alexander Kluge tornou-se o chefe intelectual do despertar do cinema alemão. O manifesto foi assinado por Haro Senft, Edgar Reitz, Peter Schamoni e Franz Josef Spieker, entre outros. Mais tarde, Volker Schlöndorff, Werner Herzog, Jean-Marie Straub, Wim Wenders e Rainer Werner Fassbinder se juntaram ao grupo. Este movimento deu ao filme alemão alguma importância internacional pela primeira vez desde os anos 20 e início dos anos 30. Antes de tudo, porém, nos círculos de crítica, e menos em termos de apelo do público.
Na Europa, por exemplo, Ingmar Bergman, Federico Fellini e François Truffaut estavam entre os principais diretores da “Nova Onda”. Junto com o japonês Akira Kurosawa, estes quatro diretores mudaram o cenário de sua indústria cinematográfica nacional com idéias radicalmente novas. A “Nova Onda” também inspirou os diretores norte-americanos. O neorealismo italiano, em particular, teve uma influência especial sobre Scorsese. Os distribuidores de filmes trouxeram regularmente esses filmes estrangeiros para os EUA, onde foram literalmente devorados pela nova geração de escolas de cinema.
Em meados da década de 1960, a mudança cultural nos EUA também começou a influenciar a indústria cinematográfica. Em um passo não visto por muito tempo, os grandes estúdios deixaram novamente autores como Francis Ford Coppola e Martin Scorsese assumirem a direção completa de um filme. Este foi o início de New Hollywood, que reescreveu as regras para as produções cinematográficas.
No final dos anos 60, Hollywood começou a fazer filmes mais inovadores e não convencionais que agora refletiam a agitação social. Filmes como Bonnie e Clyde (1967), The Graduate (1967), 2001: A Space Odyssey (1968), Rosemary’s Baby (1968), Midnight Cowboy (1969), Easy Rider (1969) e The Wild Bunch (1969), todos tiveram sucesso internacional. Bonnie e Clyde é freqüentemente visto como o início da chamada “Nova Hollywood”.
New Hollywood foi um movimento cinematográfico nos Estados Unidos entre 1967 e 1976. O movimento foi liderado por um grupo de estudantes de cinema com o desejo de mudar o status quo estagnado. Estes cineastas puderam até mesmo trabalhar dentro do sistema de estúdio por causa da nova abertura de espírito de Hollywood e trouxeram uma nova perspectiva para as produções cinematográficas convencionais. Os cineastas mais conhecidos da época eram: George Lucas, Steven Spielberg, Martin Scorsese, Peter Bogdanovich, Brian De Palma, e Francis Ford Coppola.
Dois filmes de 1967, porém, finalmente anunciaram a era New Hollywood: The Graduate e Bonnie and Clyde. Os dois filmes foram muito ousados. O Graduado com suas cenas sexuais explícitas e Bonnie and Clyde com sexo e violência.
1970
Comercial
A completa liberalização da sociedade nos Estados Unidos no final dos anos 60 não ocorreu como se esperava. Em vez disso, houve mais e mais fusões e inflação, especialmente entre 1972 e 1979, e o custo médio por longa-metragem aumentou mais de 500 por cento, atingindo US$ 11 milhões em 1980.
Alguns filmes dos novos diretores de New Hollywood tiveram sucesso sem precedentes (“O Padrinho” de Francis Ford Coppola, 1972; “Mandíbulas” de Steven Spielberg, 1975; Guerra das Estrelas de George Lucas, 1977). Isto trouxe enormes lucros e estimulou a tomada de riscos financeiros dentro do setor. Neste ambiente, não era raro que as grandes empresas investissem seu capital de giro na produção de apenas cinco ou seis filmes por ano, na esperança de que um ou dois filmes voltassem a ter muito sucesso.
Assim, o sucesso fenomenal de Spielberg Jaws (1975), uma mistura de gênero de drama e thriller com efeitos técnicos caros, foi o início do modelo de um “blockbuster” moderno. A produção custou US$ 9 milhões e rendeu US$ 472 milhões. Os gerentes do estúdio viram no Jaws uma receita de sucesso que podia ser reproduzida indefinidamente. E assim nasceu o blockbuster de verão.
O sucesso ainda maior do filme Star Wars de George Lucas dois anos mais tarde (a produção custa US$ 11 milhões e as receitas de bilheteria de US$ 776 milhões) finalmente estabeleceu a estratégia do blockbuster nos planos de negócios de Hollywood. Os gerentes de lá estavam agora cada vez mais concentrados em produzir um número menor de filmes com orçamentos enormes, apoiados por campanhas maciças de marketing e publicidade.
Com a estratégia do blockbuster, os dias do movimento de New Hollywood foram contados. A tomada de riscos artísticos é eliminada. A duplicação de receitas de filme testadas e comprovadas está dentro. É irônico que o enorme sucesso de Spielberg e Lucas, dois dos mais proeminentes representantes de Nova Hollywood, tenha anunciado o fim do movimento. No entanto, o escapismo dos filmes também estava em contraste com a abordagem socialmente crítica que New Hollywood realmente seguia.
Artística
No início dos anos 70, o público de língua inglesa foi exposto mais do que nunca ao novo cinema da Alemanha Ocidental, cujos principais representantes internacionais incluíam Werner Herzog, Rainer Werner Fassbinder e Wim Wenders.
Entre os diretores de New Hollywood, a teoria do autor à la Truffaut foi particularmente popular. Aqui, o diretor ou cineasta está no centro do filme como o originador intelectual e criador central da obra de arte do filme. Os diretores de cinema devem ser livres para expressar sua visão pessoal e sua visão criativa.
A introdução do estilo de filme do autor em Hollywood ajudou esses diretores a ter um controle muito maior sobre seus projetos do que teria sido possível em anos anteriores.
Entretanto, isto também levou a uma série de fracassos, incluindo o “At Long Last Love” de Peter Bogdanovich e o épico ocidental extremamente caro de Michael Cimino “Heaven’s Gate” (1980), que contribuiu para a falência de seu produtor, United Artists. O desastre financeiro de Heaven’s Gate marcou o fim do estilo visionário de filme do auteur em New Hollywood.
No final dos anos 70, Hollywood tinha se dividido em duas direções. Deu-se continuidade à abordagem artística de New Hollywood em produções independentes. O outro se adaptou ao mercado e se tornou diretor de blockbuster.
1980
Comercial
A dupla Lucas-Spielberg dominou o cinema hollywoodiano nos anos 80, o que teve grandes conseqüências: duas seqüelas de Star Wars, três Jaws e três filmes de Indiana Jones.
Em princípio, os novos gerentes da empresa de Hollywood não tinham a compreensão cinematográfica competente dos veteranos da indústria. Eles confiaram no que já estava comprovado e no que era visualmente sensacional, o que levou à produção de um número sem precedentes de seqüelas de alto orçamento.
Nos anos 80, a indústria cinematográfica norte-americana aproveitou cada vez mais as novas tecnologias de entrega de vídeo e edição de imagens. As redes a cabo, a televisão por satélite e as fitas de vídeo ofereciam novas formas de distribuição de filmes. E os gráficos gerados por computador (Tron, 1982) abriram novas possibilidades de produção de efeitos especiais. Muitos estúdios dedicaram a maior parte de suas capacidades à produção de filmes de televisão para emissoras comerciais.
Esta predominância da indústria de locação de televisão a cabo e vídeo levou Hollywood a otimizar os filmes para o meio apropriado. Por exemplo, eles tentaram produzir filmes que pudessem ser vistos não apenas no cinema, mas também na tela menor da televisão (Flashdance, 1983; Footloose, 1984). Houve também a abordagem de atrair o público para os teatros com a promessa de uma fotografia espetacular de 70 mm e som Dolby multi-faixa (Amadeus, 1984; Aliens, 1986).
O cinema britânico recebeu um impulso no início dos anos 80 com a chegada dos Filmes Goldcrest de David Puttnam. Os filmes Chariots of Fire, Gandhi, The Killing Fields e A Room with a View apelaram para um público “meio-intelectual” que foi cada vez mais ignorado pelos grandes estúdios de Hollywood.
Artística
O cinema japonês também estava em ascensão, em grande parte devido ao sucesso dos filmes anime. Os anos 80 também foram o início dos filmes originais de animação em vídeo (filmes OVA), ou seja, filmes que contornavam o cinema e a estação de televisão e só eram distribuídos em cassetes de vídeo. Dois filmes OVA de destaque são o filme cyberpunk de Noboru Ishiguro Megazone 23 (1985) e o filme cyberpunk Akira (1988) de Katsuhiro Otomos, que, embora inicialmente não tenha tido sucesso nos cinemas japoneses, mais tarde se tornou um sucesso internacional.
O cinema de ação de Hong Kong também apresentou um relatório. Após a morte de Bruce Lee, ele afundou no pântano de infinitos filmes de bruceploitation. Nos anos 80, conseguiu um renascimento, que se deve principalmente à reinvenção do gênero de filmes de ação por Jackie Chan. O próximo passo foi aprimorar este gênero cômico de artes marciais com acrobacias elaboradas e altamente perigosas, que lembram a era do cinema mudo.
1990
Técnico
Nos anos 90, as imagens geradas por computador tornaram-se uma parte padrão dos filmes de ação de aventura de Hollywood. Exemplos desses filmes inovadores foram o Parque Jurássico de Steven Spielberg (1993), o Dia da Independência (1996) de Roland Emmerich, e The Matrix (1999) dos irmãos Wachowski.
Em 1995, o primeiro longa-metragem de animação totalmente computadorizado, Toy Story, foi produzido pelos estúdios de animação Pixar e comercializado pela Disney. A animação por computador tornou-se o meio dominante de criação de animações de longa duração. Estúdios como DreamWorks Animation e 20th Century Fox competiram com seus próprios filmes de animação de sucesso. Estes efeitos elaborados tornaram os filmes opticamente mais luxuosos e ajudaram Hollywood e os novos estúdios de animação no final do século 20 a manter e até expandir seu domínio no mercado global de filmes.
No final dos anos 90, outra tendência começou, longe do material de filme físico e em direção à tecnologia do cinema digital. Enquanto isso, os DVDs substituíram os cassetes VHS e se tornaram o novo padrão para a venda e aluguel de vídeos.
Comercial
Na virada do milênio, a indústria cinematográfica nos EUA estava obcecada com a idéia de sinergias. O resultado foi uma onda sem precedentes de fusões e aquisições. Filmes, televisão broadcast, sistemas a cabo e satélite, redes de transmissão, parques temáticos, jornais e revistas, editoras de livros, fabricantes de produtos de entretenimento, equipes esportivas, provedores de serviços de Internet – estes foram apenas alguns dos vários elementos que se uniram sob um mesmo teto de várias formas com a idéia de que os produtos individuais se venderiam uns aos outros. Se isso acabou tendo efeitos positivos, permanece uma questão em aberto.
Com o cinema multiplex nos shoppings, surgiu o desejo da indústria cinematográfica de fornecer ao público jovem de lá obras de gênero com efeitos especiais, como filmes de terror para adolescentes e comédias. Isto geralmente diminuiu a influência dos diretores como figuras dominantes no processo criativo e reduziu ainda mais o status que os diretores de Hollywood haviam alcançado nos anos 60 e 70, orientados para o autor. Entretanto, um punhado de cineastas estabelecidos, como Steven Spielberg e Martin Scorsese, veteranos da época anterior, conseguiram manter seu status.
No início dos anos 90, desenvolveu-se nos Estados Unidos uma produção cinematográfica independente com sucesso comercial. Embora os cinéfilos fossem cada vez mais inundados com filmes de efeitos especiais como Terminator 2 Judgment Day (1991), Jurassic Park (1993), Titanic (1997) e Avatar (2009), filmes independentes como Sexo, Mentiras e Videotape (1989) de Steven Soderbergh, Wim Wenders Buena Vista Social Club (1999) e Quentin Tarantino’s Reservoir Dogs (1992) também desfrutaram de grande sucesso comercial, tanto no cinema como na distribuição de vídeos caseiros.
As origens dos filmes independentes podem ter sido devidas às oportunidades agora limitadas em Hollywood para cineastas criativos. Esta lacuna foi preenchida por organizações como o Projeto de Longa Metragem Independente e o Festival de Cinema de Sundance, ambos buscando estimular e promover a produção independente de filmes.
Mas então os grandes estúdios começaram a criar suas próprias empresas de produção “independentes” para financiar e produzir filmes que não sejam de produção principal. Um dos mais bem-sucedidos independentes dos anos 90 foi a Miramax Films, que foi comprada pela Disney mesmo antes do lançamento do sucesso posterior de Tarantino Pulp Fiction (1994).
Graças a filmes muito atraentes de cineastas como Steven Soderberg, Spike Lee, David Lynch, Coen Brothers, Quentin Tarantino, Oliver Stone, os filmes independentes se tornaram interessantes para muitos no público principal. Isto promoveu os chamados filmes e documentários de nicho que tratavam de questões étnicas e a busca de identidade na cultura americana contemporânea. Estes incluem, por exemplo, filmes de cineastas afro-americanos e nativos americanos, bem como trabalhos que tratam de temas como o feminismo e a LGTB.
Artística
No final do século XX, o conceito de cinema nacional havia se tornado irrelevante nos centros cinematográficos tradicionais da Europa Ocidental. Exceto na França. Mas a tendência foi para co-produções internacionais e para cineastas e atores que trabalham em diferentes países e idiomas. Os movimentos cinematográficos na Europa que se identificavam apenas com a cultura nacional, como o Neorealismo italiano, a Nova Onda francesa ou o Novo Cinema alemão, não existiam mais. O melhor exemplo é Heaven (2002), escrito pelo cineasta polonês Krzysztof Kieslowski junto com Tom Tykwer como diretor da Alemanha, e ambientado na Itália e filmado em parte em italiano e inglês com atores principais americanos e australianos.
Outras figuras marcantes do cinema europeu da época são Pedro Almodóvar da Espanha, Manoel de Oliveira de Portugal, Théo Angelopoulos da Grécia, Aki Kaurismäki da Finlândia e Nanni Moretti da Itália.
A única tentativa não totalmente mal sucedida de reviver um movimento cinematográfico na Europa veio de um coletivo de cineastas na Dinamarca, que apresentou uma doutrina chamada Dogme 95 (Dogma 95) no Festival de Cannes de 1998. Este manifesto é basicamente contra as artimanhas tecnológicas do cinema e é a favor do realismo pragmático em estilo e conteúdo.
Após a virada do milênio
Comercial
Em termos do número de longas produzidos, Índia, Estados Unidos, China, Nigéria e Japão são os mais ativos. A produção de filmes tem se tornado cada vez mais globalizada. Mesmo filmes em língua estrangeira são vistos com mais freqüência nos mercados de língua inglesa. Exemplos incluem Tigre Agachado, Dragão Escondido (Mandarim), Amélie (Francês), Lagaan (Hindi), Spirited Away (Japonês), Cidade de Deus (Português), A Paixão do Cristo (Aramaico), Apocalypto (Maia) e Basterds (vários idiomas europeus). Mas nos Oscars, por exemplo, a Itália foi a melhor: 14 prêmios, 3 prêmios especiais e 31 indicações.
Como a indústria cinematográfica está constantemente enfrentando nova concorrência (videogames e outras formas de entretenimento doméstico) de outras mídias, há um esforço constante para aumentar a atratividade dos filmes. Isto se baseia em tecnologias digitais 3D e em filmes épicos (ou seja, filmes de fantasia e super-heróis), tendo estes últimos se tornado a principal fonte de renda. Ao mesmo tempo, os filmes são produzidos no formato IMAX. O primeiro foi Treasure Planet (2002), uma animação da Disney. Depois veio The Matrix Revolutions (2003), o primeiro filme de ação ao vivo, que foi seguido por uma nova edição de The Matrix Reloaded e, em seguida, The Dark Knight.
A partir de 2001 houve a série de filmes Harry Potter, que se tornou a franquia cinematográfica mais vendida de todos os tempos até o último episódio em 2011, até os muitos Marvel Comics films os ultrapassou a partir de 2015. Este é um fenômeno. Capitão América: O Primeiro Vingador (2011) é provavelmente familiar a todos. O primeiro Capitão América, e o primeiro filme baseado na Marvel em geral, data de 1944 – é por isso que cenas da Segunda Guerra Mundial são vistas com freqüência nele. Depois houve mais cinco adaptações do Capitão América até 2019. E só os quatro filmes Avenger de 2012 a 2019 trouxeram um total de 7,6 bilhões de dólares. Contei um total de 60 adaptações de filmes Marvel Live-Action de 1944 até hoje. Se você adicionar os filmes de animação e as adaptações de TV, o número triplica! Alguns dos filmes Marvel são: Homem-Aranha, Homem de Ferro, Hulk, Thor, Pantera Negra, Doctor Strange, Homem-Formiga, Wolverine, Daredevil, Deadpool, X-Men, Fantastic Four, Logan, e Guardiões da Galáxia.
Não é de se admirar que Hollywood, com base na popularidade existente e no sucesso financeiro destes filmes, todos os anos vários Marvel e DC Comics filmes de super-heróis para o mundo. Apenas para completar o quadro, aqui estão alguns exemplos de filmes da DC Comics: Super-Homem, Batman, Mulher Maravilha, Lanterna Verde, O Flash, Aquaman, Arqueiro Verde. Chocado? Vivemos em uma era cinematográfica engraçada.
Felizmente, documentários como March of the Penguins e Michael Moore’s Bowling for Columbine e Fahrenheit 9/11 também tiveram algum sucesso, o que levou a que os documentários fossem levados mais a sério comercialmente. Com Martin Kunert e Eric Manes’ Voices of Iraq, nasceu o novo gênero de realidade documental, quando 150 câmeras de vídeo baratas foram distribuídas para pessoas no Iraque e pessoas normais de repente se tornaram cineastas.
O filme alemão tem uma presença fraca no mercado doméstico com uma participação de 20-25 por cento do mercado. Também não há sucesso com audiências internacionais. As razões para isto são fraquezas na implementação de roteiros eficazes para o público, e produções com lealdade emocional insuficiente para o público.
Técnico
Uma das principais características do período pós-2000 é o declínio da televisão tradicional e o uso crescente dos serviços de streaming digital. Em termos gerais, estes são os sucessores dos distribuidores de DVD dos anos 80 e 90. Nos EUA, os telespectadores utilizam os serviços de streaming por uma média de 11 horas por mês, mais de 50% em comparação com o ano anterior.
O aumento do fluxo de vídeo mudou profundamente a televisão em apenas uma década. Com a difusão da Netflix, foi mais fácil cancelar completamente uma assinatura de televisão, pelo menos nos EUA. As séries agora também estavam disponíveis no Netflix, mais barato e mais conveniente de usar.
A partir de 2010, as emissoras por cabo e satélite sentiram os efeitos. Pela primeira vez, houve um declínio nas assinaturas, uma vez que os milenares e os consumidores em recessão cancelaram ou nunca pediram assinaturas.
A Netflix foi adiante e iniciou a produção da série original, que teve seu primeiro sucesso em 2012 com o drama mafioso Lilyhammer. A Netflix fez história na televisão em 2013 com 14 indicações do Emmy por seu drama político aclamado pela crítica House of Cards – a primeira indicação de sempre para programação baseada na web. Outros serviços de streaming rapidamente começaram a competir para preencher as lacunas na programação da Netflix: Amazon, Hulu, Apple, HBO e mais recentemente Peacock (parte da NBCUniversal, uma subsidiária da Comcast) – todos nos EUA com ofertas mais ou menos adaptadas a outros países e idiomas. Estes serviços de streaming fornecem à indústria cinematográfica independente um número relativamente grande de projetos a fim de produzir continuamente novos filmes e séries para orçamentos pequenos e médios.
Perspectivas
Nos primeiros 50 anos de história do cinema, havia apenas o cinema para a exibição de filmes. Portanto, todos os gêneros foram mostrados ali. Não havia outra maneira. Isso, naturalmente, também explica a freqüência semanal muito alta naquela época. Com a introdução de telas pequenas e pessoais, como a televisão no início e o streaming após a virada do milênio, a exibição mudou de acordo com os diferentes “métodos de projeção”.
O que era então o noticiário, a série e os programas de vaudeville, se deslocou principalmente para as telas de TV. O que eram os filmes B nos anos 30, ou seja, as produções mais baratas (hoje, por exemplo, a Netflix Originals), as séries e os documentários, mudaram principalmente para os dispositivos de streaming. Os filmes épicos brilhantes com efeitos elaborados e som de alta qualidade ainda são mais propensos a serem vistos primeiro nas salas de cinema com seus amigos e familiares.
O cinema experimentou muitos altos e baixos. Mas só hoje, após 125 anos, o cinema está realmente em uma crise existencial por causa da pandemia de Corona. Agora, pela primeira vez, surge a pergunta: o filme pode sobreviver sem o cinema? Afinal, o filme de cinema, que foi elaborado com 200 milhões de dólares, seria melhor exibido imersamente numa tela grande com o melhor sistema de áudio surround. Ou será que no futuro só veremos filmes no iPad com fones de ouvido Bose? Ou na melhor das hipóteses em uma TV de 50 polegadas com alto-falantes surround? Isto se reduz à pergunta: viveremos no futuro apenas com a retirada e a entrega? O consumo privado em casa como o novo padrão? Ou não é mais divertido comer em um restaurante do chef? Não é mais divertido experimentar um filme em um cinema – sem o som de pipoca? Atração e experiência são as palavras-chave aqui. Você não recebe isso em casa, mas somente em locais especialmente projetados para isso. É por isso que eu acho que o cinema sobreviverá. Talvez não em sua forma anterior, mas certamente em outra forma que oferece um valor de experiência suficientemente alto, como o IMAX.
Os cinemas da casa de arte ainda têm uma existência de nicho. Na Alemanha, sua participação no mercado cinematográfico é de cerca de 17%; em outros países europeus, como França ou Suíça, chega a 30%. Estes cinemas são especializados em filmes independentes e têm um público menos interessado em ir ao cinema para comer pipoca, mas sim para desfrutar de filmes mais tematicamente exigentes – talvez com um bom espresso na mão – no ambiente apropriado.
Resumo
Parece que o show booth attractions com seus mágicos foi aperfeiçoado na época nos filmes de Hollywood de hoje e tomou conta dessa tradição. Assim, se Hollywood aperfeiçoou a tradição Schaubuden, Babelsberg aperfeiçoou a astúcia – humor leve, alegria inofensiva sem problemas, alegria despreocupada.
Nos anos da fundação da indústria cinematográfica alemã, tudo foi basicamente organizado sob a UFA ao redor de Babelsberg (Potsdam). Nas últimas décadas, uma série de processos de reestruturação ocorreu. Hoje, Studio Babelsberg ainda é o mais antigo grande estúdio de cinema do mundo e o maior estúdio de cinema da Europa. E a UFA, com sua história checada, ganhou experiência de produção na produção de filmes e séries de televisão. Além dos Bavaria Studios (Das Boot, 1981), várias outras empresas de produção e serviços estão agora espalhadas por toda a Alemanha.
Existem outros aspectos que não tenham sido suficientemente mencionados? Está faltando alguma coisa? O que você acha?
Na verdade, você poderia fazer documentários e longas-metragens bastante bons se o tema for empolgante. Isso é bom para um filme? Se você tiver comentários, idéias e sugestões, basta escrevê-las abaixo 🙂
